Los museos están directamente relacionados con el coleccionismo. Como institución nacieron a finales del siglo XVIII, aunque su auge y desarrollo comienza a principios del siglo XIX, sobre todo después de la Revolución francesa, cuando los bienes pertenecientes a la Corona y a la Iglesia pasaron a poder del Estado. De esta manera nació el Museo del Prado, en España. Lo mismo sucedió en Inglaterra con la National Gallery y el British Museum.

En el caso de España el Museo Nacional del Prado fue creado a raíz del mandato de Fernando VII, para trasladar la colección real desde el Palacio Real de Oriente al edificio de Carlos III mandó construir, el proyecto estuvo a cargo del arquitecto Villanueva.

Más tarde, también en España con la desamortización de Mendizábal, en época de Isabel II, al desposeer las órdenes religiosas de sus bienes mueble e inmuebles, los museos experimentaron un gran desarrollo, convirtiéndose así los antiguos y grandes conventos y monasterios en Museos Provinciales, precedente de los actuales Museos de las Bellas Artes, albergando colecciones de pintura y escultura religiosa principalmente.

Es importante el anotar que las medidas desamortizadoras no tuvieron el éxito esperado, según demuestran los estudios de Historia política y económica. Como aspecto positivo se ha de destacar que el pueblo pudo entonces acceder a la cultura y al arte que hasta ahora había estado en manos privadas. Como aspecto negativo también es destacable que muchas de las obras que se sacaron de instituciones religiosas no estaban hechas para estar expuestas, y por tanto, perdieron en gran parte su contexto como obras de arte. Unido a estos factores es reseñable el hecho de la gran pérdida de material tanto mueble como inmueble tanto por traslados como por reformas.

El museo como institución está relacionado de forma directa con el coleccionismo, afirmábamos al principio, y es que la práctica del coleccionismo (el afán de atesorar objetos por snobismo, prestigio social o gusto propio) aparece ya en la Antigüedad clásica. Alejandro Magno fue un coleccionista de objetos atesorados durante sus campañas. Los generales romanos medían su victoria en función de las obras de arte que traían, sobre todo de Grecia, debido al prestigio que éstas otorgaban, principalmente al exhibirlas en sus casas solariegas. Pero no sería hasta siglos más tarde, con el nacimiento de la cultura humanista, cuando se vive un mayor auge del coleccionismo. Los reyes, príncipes y papas renacentistas construyeron sus studiolos para atesorar (y salvaguardar de los ladrones o enemigos) sus joyas artísticas y excéntricas, ya que allí era donde se almacenaban desde cuadros y esculturas a fósiles de animales, así como piedras “raras”, animales y otro tipo de objetos curiosos provenientes de la Naturaleza. Muchas de estas colecciones formaron a pasar parte de los fondos de los grandes museos.

A finales del siglo XVIII y siglo XIX con el auge de la investigación, los descubrimientos de lugares exóticos, sobre todo del Extremo Oriente, y en gran medida del afán de estudio de la Naturaleza, surgiendo nuevos estudios como las Ciencias Naturales.

Pero esta clase de Museo se relacionaba más con un Mausoleo que con el lugar interactivo y de encuentro con la cultura que es típico de fines del siglo XX. Cabe recordar que la palabra Museo viene de Mausoleo (Templo de las Musas).

Para el estudio de Historia del Arte las fuentes son muy variadas, por tanto, cuantas más fuentes consultemos más completa será nuestra visión sobre cualquier aspecto del Arte que queramos abordar.

Una de las principales fuentes son los escritos de los pensadores y artistas de cada época para situarnos en un contexto que nos ayuden a comprender las obras, sin embargo, esto no es siempre posible.

Por norma general se utilizan como fuentes para el Historia del Arte la Historia de la Cultura que engloba: la economía, la política, la sociedad, la religión, etc. Pero como es lógico lo principal es acercarse a la Obra de Arte en sí misma, prestando atención a sus formas, el tema o temas sobre el que centra, su estilo, su simbología, en definitiva, todos aquellos aspectos formales y observables de forma objetiva. Esto se aplica tanto a una escultura, como a un cuadro o un edificio. Cuantas más visiones y perspectivas tengamos del objeto artístico más rico y profundo será nuestro acercamiento a este.

En cuanto a la crítica de Arte es aquella ciencia que se encarga de estudiar y analizar los objetos artísticos, para situarlos en su contexto analizando sus causas y consecuencias. La crítica de Arte no debe ser simplemente una descripción de los objetos, sino que debe trascender en su visión y análisis de lo meramente superficial. Por tanto, a la hora de hacer la crítica se deben analizar las relaciones del autor con el resto de su época, deben ponerse de manifiesto sus influencias, así como analizar su originalidad o la falta de la misma.

Para entender la simbología en el Arte debe tenerse en cuenta dos conceptos: el signo y el símbolo. Estos dos son los componentes primordiales de las obras de Arte. El signo constituye lo más material y directo, mientras que el símbolo es lo que representa, y este aspecto puede ser más abstracto y por tanto más difícil de captar a simple vista. Por ejemplo, en la planta de la basílica y plaza de San Pedro del Vaticano el signo es la llave, que hace referencia al elemento icónico que representa a San Pedro. Sin embargo, el símbolo es la acogida a todos los fieles que se acercan a aquel lugar. Las dos columnatas se abren a modo de brazos con el ánimo de abarcar a todo el mundo.

Las obras de Arte desde los inicios en la Prehistoria, han sido creadas con un sentido concreto, es decir, tienen una funcionalidad, ya sea práctica o mágica, para el hombre que las desarrolla. La creación de una obra de Arte no está sujeta en ningún momento a motivos de carácter decorativo.

Los primeros testimonios artísticos los encontramos en las esculturas de Cro-Magnon, puesto que son un medio de comunicación y expresión, con un gran sentido de brujería y chamanismo. De esta forma los primeros “artistas” fueron los chamanes de las tribus, que se encargaban de contactar con las fuerzas de la naturaleza para generar el bien común o el mal. Así nace la Venus prehistórica, con la función de ayudar a la fertilidad de las mujeres. Y esto tiene mucho sentido pues el hombre en esta época estaba preocupado básicamente de sobrevivir la mayor parte del tiempo, y cuanto mayor era la tribu, más fácil era garantizar tareas como la caza.

Las pinturas rupestres tenían una función similar, puesto que se pensaban que al representar figuras de animales que les servían como alimento y ropajes, los atraerían de forma mágica.

Si analizamos detenidamente la historia del Arte y la historia de las civilizaciones, veremos que los pueblos no han cambiado en exceso la función del Arte, lo que realmente ha cambiado son las necesidades de la comunidad. En Egipto la pintura y la escultura funeraria tenían la clara función de favorecer la vida de ultratumba del fallecido. En Grecia la escultura tenía la función de representar el ideal al que toda la polis debía parecerse; por su parte el Arte cristiano tenía la función de atemorizar y difundir de la forma más impactante el camino a los fieles hacia la salvación de sus almas, y así en todas las culturas existentes hasta la actualidad.

De todas maneras el Arte siempre ha plasmado de forma plástica y práctica la vida y deseos de la comunidad. Es el reflejo más fiel del hombre de su tiempo.

La Teoría del Arte es la encargada de analizar los distintos estilos que se han ido produciendo a lo largo de la Historia, su proceso de evolución, la comparación de unos con otros, y los retrocesos que se experimenta en algunas épocas.

La Teoría del Arte también es la encargada de estudiar la obra y estilo de los distintos artistas y consigue definir el estilo conceptual, así como la persona en un contexto histórico-cultural.

En lo referente al concepto de Belleza artística, esta es una cuestión se debe tener en cuenta como algo subjetivo. El concepto de Belleza es algo que ha ido evolucionando con el paso de los años, por tanto, las piezas de Arte no tienen porque resultar bellas en el sentido estricto de la palabra y el canon clásico universal establecido.