Paisaje americano de Charles Scheeler
Paisaje americano de Sheeler
Es una obra prototípica del estilo precisionista estadounidense, pero su significado hay que entenderlo no sólo en esa inspiración en la realidad, en una fotografía, sino que también el deseo de su autor era mostrar la poderosa belleza, un tanto abstracta, de las máquinas y la sociedad industrial.
Se trata de un arte “mecánico” y “objetivo”. Una corriente que se inspiró muchísimo en la fotografía. De hecho, Scheeler previamente realizó la foto de este lugar. Era su modo de trabajar, hacer primero una foto de los elementos que quería pintar e inmediatamente después ejecutar la pintura de esos mismo elementos. Intentando así aplicar una mirada mecánica y estática ante el arte frente a la visión móvil y dispersa del ojo humano. Y es que hay que tener en cuenta que Scheeler trabajó mucho la fotografía comercial, por ejemplo para las revistas Vogue o Vanity Fair. Y fue un verdadero investigador de la fotografía, cuyas conclusiones aplicó a la pintura.
Además de su trabajo en fotografía, Scheeler también se destacó por su habilidad para capturar la esencia de la arquitectura industrial. Sus pinturas a menudo presentan una visión idealizada de las fábricas y los paisajes urbanos, con un enfoque en la geometría y la simetría. A través de su uso de líneas limpias y formas precisas, Scheeler logró transmitir una sensación de orden y eficiencia que refleja la mentalidad de la era industrial.
A Estados Unidos llegaron un tanto tarde las vanguardias, y sin duda al primer lugar que llegaron fue a la ciudad de Nueva York. Y especialmente una de las corrientes vanguardistas que más influyeron fue el arte maquinista de Francis Picabia y las obras de Marcel Duchamp.
Esos fueron parte de los ingredientes de la pintura “precisionista” en la que se encuadra esta obra de Charles Scheeler. Una especie de movimiento bastante difuso, en el que no había manifiestos ni programas explícitos, algo que lo diferencia de otros movimientos de la época, cuando era habitual redactar ese tipo de manifiestos teóricos que plasmaran las consignas estéticas y filosóficas de cada movimiento. No obstante, en este caso no lo hubo y sin embargo es reconocible los nexos de unión entre varios pintores del periodo entreguerras, entre los que lo más destacados, además de Scheeler están: Joseph Stella, Giorgia O’Keefe o Charles Demuth.
Como se puede ver en esta obra, se trata de un movimiento que aboga por la pintura figurativa, con contornos muy bien definidos y sumamente exactos en cuanto a la técnica. Y como motivo de inspiración no contaban con los elementos naturales, sino con lugares donde era clave la intervención del hombre, como fábricas, silos de almacenamiento, depósitos de agua, rascacielos o máquinas en las que se plasmaba hasta el último detalle.
Con ello pretendían no sólo ensalzar su aire vanguardista sino que intentaban acentuar la fidelidad al paisaje “realista” de los Estados Unidos. Un país que por aquel entonces estaba reafirmándose en su poderío industrial y en la meca para las grandiosas estructuras arquitectónicas.
Por estas razones, los artistas norteamericanos sabían que desde Europa se miraba a su país con admiración, ya que ellos representaban la modernidad industrial y por lo tanto la belleza propia del siglo XX. Por eso, artistas como Scheeler eligieron para su arte la representación de objetos industriales pero centrándose en la estructura fundamental de esos elementos, liberándose de cualquier parte anecdótica o poética.
El precisionismo de Scheeler y sus contemporáneos fue una respuesta directa a la rápida industrialización y urbanización de los Estados Unidos en el siglo XX. A través de su arte, estos pintores buscaban capturar la esencia de esta nueva era, con sus fábricas y máquinas, y presentarla de una manera que reflejara tanto su belleza como su poder. En este sentido, el precisionismo puede verse como una forma de realismo, pero un realismo que se centra en la precisión y la claridad, en lugar de la representación detallada de la naturaleza o la vida cotidiana.